BAZAAR

2008년 돌연 패션계를 떠난 메종 마틴 마르지엘라의 창립자이자 디자이너 마틴 마르지엘라가 시각예술가로 우리 앞에 다시 나타났다. 정확하게 말하자면 ‘나타나지 않음’으로 ‘나타났다’. 
 
지금 롯데뮤지엄에서 열리고 있는 마틴 마르지엘라의 대규모 개인전은 한 편의 무언극이라고 보아도 좋다. 인체의 일부를 3D로 스캔하여 만든 6개의 조각 〈토르소 시리즈〉 사이에 흰색 가운을 입은 스태프가 상주하며 조각 위에 흰 천을 덮어 감추었다가 열었다를 반복한다. “아름다움이라는 속성은 특정한 상황에서만 분명하게 드러난다.” 마르지엘라가 언젠가 남긴 이 아포리즘을 상기한다면 공연의 의도가 ‘은폐의 미학’임을 이해할 수 있을 것이다. 그의 대표작 〈데오도란트〉도 마찬가지다. 자연스러운 인간의 체취를 의도적으로 감추고 지우는 일상적 매개를 통해 작가는 무슨 말을 하고 싶었을까? 위생에 대한 강박? 산업화된 신체? 변형에 대한 본능? 원래 마르지엘라는 얼굴 없는 디자이너로 유명했다. 익명성은 그에게 자유를 가져다주었지만 고도의 마케팅이라는 속물적 오해로부터는 결코 자유로울 수 없었다. 마르지엘라는 이에 대하여 미셸 푸코의 지식의 고고학을 인용하며 항변한다. 
 
 
2008년 그가 ‘은퇴’라는 단어를 끝으로 패션계를 완전히 떠난 뒤 한동안은 소문만 무성했다. 파리의 거리에서 60대 그의 얼굴을 알아본 소수의 사람들이 있었고 어쩌면 그가 새로운 패션 브랜드를 론칭하는 게 아니냐는 추측도 나왔다. 그러나 그의 세계를 잘 아는 사람들은 패션 디자이너가 아닌 시각예술가로의 전환을 당연하게 여겼다. 1993년부터 2008년까지 메종 마틴 마르지엘라의 커뮤니케이션 담당자였던 패트릭 스칼롱은 〈뉴욕 타임스〉에서 이렇게 회고했다. "쇼에 대한 접근법, 초대장, 의상. 마르지엘라의 그 모든 것은 항상 예술적이었다.” 2021년 프랑스 파리 라파예트 안티시페이션에서 마틴 마르지엘라의 첫 번째 개인전을 기획한 레베카 라마슈 바델 역시 “그는 언제나 예술가였다”고 강조했다. 그리고 나는 2008년 메종 마틴 마르지엘라 스튜디오가 앤디 워홀이 창간한 잡지 〈인터뷰〉에서 개념미술가 조셉 코주스 스튜디오와 나눈 대화를 들추어 보며 시각예술가로의 전환이 그의 삶에 필수불가결한 선택이었음을 뒤늦게 감지했다. 인터뷰에서 마르지엘라 스튜디오는 벼룩시장에서 1950년대 야구점퍼 재고 무더기를 발견한 일을 언급한다. 그들은 그것들을 자르고 트고 묶어서 티셔츠나 청바지와 결합했다. 1980년대였다. 사람들은 옛 옷에 대한 존중이 부족하다고 비난했다. 당연히 틀렸다. 낡고 버려진 옷을 독특한 조각으로 재결합하여 새로운 생명을 부여하는 일. 그들에겐 그것이 존중이었다. 마르지엘라 스튜디오는 훗날 아티저널(Artisanal) 컬렉션의 시초가 된 이 아이디어의 근원이 앤디 워홀이라고 밝힌다.(1975년 앤디 워홀은 프라다, 구찌, 베르사체 조각을 하나로 꿰매어 일명 ‘복합 드레스’를 만들었다.) 워홀이 그랬던 것처럼 마르지엘라에게 패션은 자신의 예술 세계를 실현하는 하나의 장르이자 매개체였던 것이다. 소외된 것 혹은 소외시킨 것에 어떤 존엄성을 부여하느냐는 오래도록 그를 따라다닌 예술적 명제다.

 
그리고 이제 마르지엘라는 패션의 범주를 넘어 50여 점의 조각과 콜라주, 회화, 설치, 비디오를 통해 ‘예술, 물질과 신체, 성별의 관념, 시간의 영속성, 직접 참여’에 대해 사유한다. 이를테면 모발로 얼굴이 덮인 조각 〈바니타스〉는 작가가 인공 피부를 입힌 실리콘 구체에 자연 모발을 하나하나 이식하여 완성했다. 마르지엘라의 아버지는 이발사였고 머리카락, 체모는 그의 작품에서 반복되는 모티프다. 진한 금발에서 백발까지 머리카락 색상이 다른 5개의 두상은 한 인간의 유년부터 노년까지의 생애 주기를 드러낸다. 사람들은 염색약이라는 일상품을 통해 노화의 흔적을 감추려 하지만 종국에는 시간 앞에 패배를 인정하고 나이 듦을 받아들인다. 마르지엘라는 첫 번째 전시에서 큐레이터에게 마지막 백발의 그녀를 가장 사랑한다고 넌지시 말했다고 한다. 그 담담한 사랑 고백이 시간의 흐름을 받아들이는 작가의 방식이라면, “모든 것이 헛되고 헛되도다”라는 어원을 가진 바니타스 나무판 위에 덩그러니 놓인 5개의 두상을 응시하다 불현듯 자신에게 돌진하는 죽음의 필연성을 각성하는 것은 관람객의 방식일 것이다.

 
한편, 어떤 머리카락은 ‘죽음’이 아닌 ‘삶’이 된다. ‘지도 제작법’이라는 뜻의 〈카토 그래피〉는 작가가 머리카락이 자연스럽게 자라나는 방향을 연구한 작품이다. 사람의 모발은 제각기 수많은 유전적 단서와 삶의 흔적을 지니고 있으므로 두피의 정수리는 존재의 기억과 경험이 저장된 하나의 지도와 같다. 우리는 모두 자신의 머리 꼭대기에 자신만의 지도를 이고 있는 셈이며 거기엔 시간의 궤적이 고스란히 새겨 있다. 심지어 먼지와 긁힌 자국 같은 아날로그 필름의 자연스러운 흔적을 마치 우주 공간처럼 표현한 〈필름 더스트〉 시리즈에서는 생명력을 실감한다. 삶에 끈질기게 달라붙는 너절한 먼지 더께를, 가끔은 나조차도 참을 수 없는 존재의 누추함을, 그 지긋지긋한 생명의 기운을. 은폐해야 할 대상으로 여겨지는 ‘체모’는 드러내고 당연히 드러난 ‘얼굴’은 감춘다. 나조차 자세히 들여다본 적 없는 ‘정수리’를 연구하고 평소라면 무참히 잘려나갔을 필름 끄트머리의 ‘먼지 자국’을 화면에 수놓는다. 한 해의 시작, 마틴 마르지엘라의 능란한 은폐술을 통해서 살아있음의 궁극을 사색하게 될 줄은 미처 몰랐다. 아름다움이 곧 삶이고 삶이 곧 아름다움인데도.

 


 - 마틴 마르지엘라. 
 

---

결코 모습을 드러내는 법이 없는 그가 2022년 12월의 끝자락 프랑스 파리에서 특별한 편지를 보내왔다. 〈바자〉에서 최초로 공개하는 구혜진 수석 큐레이터와 마틴 마르지엘라의 대화.
 
 
 
 
※ «마틴 마르지엘라»전은 2023년 3월 26일까지 롯데뮤지엄에서 열린다.  
 
*미학에서의 고유성(본래성)은 예술가 스스로가 바라보는 예술에 대한 관점에 충실하는 것이며, 심리학에서는 사회적 요구에 따르지 않고 스스로의 내면이 요구하는 대로 따라 사는 것을 의미한다. 스스로의 욕구, 동기, 이상과 믿음대로 행동하는 것을 포함할 뿐만 아니라 그 스스로를 진실로 표현하는 방식이다.